10 самых дорогих картин в истории живописи

Миллионы, сотни миллионов долларов ежегодно тратят богатые люди на приобретение предметов искусства. Чем эти предметы искусства дороже и популярнее, тем выше поднимают статус их владельцев. Вот десять самых дорогих произведений живописи, и небольшой рассказ о каждой из этих работ, который возможно, сможет немного прояснить, что же делает эти картины такими особенными, что за них платят столь высокую цену.

1. «Золотая Адель» или «Портрет Адели Блох-Бауэр», художник - Гюстав Климт ($135,000,000)

Для Австрии художник Густав Климт (1862 — 1918) - величина такой же значимости, как Пикассо для Испании или Ван Гог для Нидерландов. «Золотая Адель» или, как ее еще называют, «Австрийская Мона Лиза») - работа «золотого периода» мастера. Картина написанная на холсте серебром и золотом, много лет была визиткой Австрии, но в феврале 2006 года эта и еще четыре работы Климта по решению международного суда были переданы гражданке США Марии Альтман. Именно она являлась единственной наследницей австрийца Блох-Бауэра. Женщина, изображенная на портрете, Адель, была первой владелицей портрета и завещала мужу передать портрет в Австрийскую галерею. Но тот ее волю не выполнил, а завещал портрет супруги вместе с другим имуществом племянникам из Америки. Однако, его завещание тоже не было исполнено сразу: картина была конфискована нацистами, и, таким образом, хотя бы завещание Адели было исполнено – портрет оказался в Австрийской галерее. Много лет спустя Мария Альтман предъявила свои права на «Золотую Адель». Не вдаваясь в нюансы – суд она выиграла, но соглашалась готова получить не картину, а «справедливые деньги» за нее. Был объявлен сбор средств по всей Австрии для выкупа картины, но «справедливая цена от Марии» росла с каждым днем и, наконец, превратилась в непомерные 300 миллионов долларов. Поэтому и досталась Марии в «живом» виде, а вскорости была продана ею по самой высокой цене за произведение живописи на сегодняшний день – 135 миллионов долларов – владельцу косметической империи Рональду Лаудеру .

2. «Мальчик с трубкой» Художник Пабло Пикассо ($104,100,000)

Пабло Пикассо родился в 1881 году в Испании, в Малаге – в семье художника. Он был одаренным ребенком и, когда в 14 лет поступал в Школу изящных искусств в Барселоне, сумел за один день выполнить работу, на которую абитуриенту отводился месяц. Период его творчества с 1901 по 1904 год называется «голубым» - по обилию голубой тональности в работах. Это было связано и с отражением его личного мироощущения в этот период - достаточно меланхоличного – его близкий друг покончил жизнь самоубийством, работы продаются неважно, Пабло фактически ведет борьбу за существование. В 1904 году он окончательно переезжает в Париж и селится в доме, в котором живут многие художники, где знакомится с натурщицей Фернандой. С ней он проживет 8 лет совместной жизни. Вдохновленный этой любовью он открывает свой новый период творчества – «розовый», в работах появляются новые цвета, жизнерадостность, а в жизни - новые надежды. Главные персонажи «розового периода» — бродячие артисты, циркачи. Они бедны, но свободны, их труд – это их общий труд, их судьба - это их общая судьба, это братство вольных людей, но этот мир затерян в огромном, неустроенном пыльном мире. Наверное, поэтому комедианты изображаются художником на фоне странных, загадочных, пустынных ландшафтов. Но вот «розовый период» исчерпан художником и он заканчивается, и больше им не будет написано в этой манере ни одной картины. Поэтому каждая из работ Пикассо этого периода по-своему уникальна. Дальше Пабло будет делать что, что и делал всю свою жизнь – искать новые выразительные возможности и художественные приемы в живописи. Для Пикассо живопись – это постоянное новое приключение, только не нужно «засиживаться» на одном месте. Некоторые называют «голубой» и «розовый» периоды творчества художника – «ненастоящий Пикассо», но именно в те годы сформировались основные нравственные принципы его искусства и глобальные темы творчества. Самая дорогая картина «розового периода» Пикассо - «Мальчик с трубкой». Она написана маслом на холсте. Один квадратный сантиметр этой картины (ее размеры 100 см х 81,3 см) оценен в $ 1280, а вся картина - в $ 104,168,000.

3. «Портрет Доры Маар с кошкой». Художник Пабло Пикассо ($ 95,200,000)

Она была необыкновенна красива. Их познакомил общий друг, поэт Поль Элюар. Пабло – 53, ей на 25 лет меньше. В ней смесь хорватской и французской крови, выросла в Буэнос-Айресе, она звезда парижской богемы, фотограф, работы которого «необычны, волнующи», как и ее внешность: черные, как смоль волосы, длинные ногти, выкрашенные в алый цвет, немыслимые шляпки, сигарета в 25-ти сантиметровом мундштуке. Через пять лет после начала их бурного романа, в 1940 году, в Париж вошли гитлеровцы. Нельзя сказать, что Пикассо от этого как-то особенно пострадал, но вот выставки делать ему запретили, как «художнику-дегенерату». А в 1941-м году он напишет «Дору Маар с кошкой».
Дора никогда не позировала мастеру, но ее портреты он писал - и весьма активно. Их личные взаимоотношения – это нечто нервическое, временами истерическое, замешанное на любви и слезах. «Я бью Дору. Она плачет. Ах, как красиво плачет Дора» - так, или почти так писал Пикассо о женщине, которая увековечила в фотографиях процесс написания «Герники», заставив тем самым по-новому взглянуть на творческий процесс живописи. Пикассо – 158 сантиметров взрывного темперамента – не самый легкий спутник жизни. После окончательного разрыва с ним в 1944-м Дора попала в психиатрическую больницу – не единственная из его женщин - где ее лечили электрошоком. Выйдя оттуда, она продолжала рисовать и фотографировать, но жизнь ее полностью изменилась.
Портрет Доры с кошкой написан в 1941-м году, когда их отношения уже дали серьезную трещину. Пикассо позже утверждал, что Дора на этой картине – с острыми, как когти, ногтями (ее «фирменный стиль») - была олицетворением духа войны. Правда, сказал он это намного позже, чем написал эту работу, и мы не знаем, насколько он был искренен в рассказах о той, с кем прошел этот путь – от любви до ненависти.

4. «Портрет доктора Гаше». Художник Винсент ван Гог ($ 82,500,000)

«Портрет доктора Гаше» был написан Винсентом Ван Гогом в последние месяцы жизни. Они встретились, когда художнику было 37, а доктору - 62 года. Это знакомство длилось всего 70 дней, но оставило след в жизни каждого из них.
После истории с ухом (я уже писала об этом одном из своих постов) Винсент был помещен в больницу, но, выйдя оттуда, по-прежнему переживал сильную депрессию. Его приятель Писсаро посоветовал ему съездить в небольшой городок под Парижем к доктору Гаше. В свое время доктор сам мечтал о живописи, но особого таланта не проявил, и выучился на врача, хотя и продолжал «любительствовать». Он практиковал в Париже и поддерживал связь с творческими людьми - писателями и художниками. Когда здоровье жены ухудшилось, он переехал под Париж, устроил в своей мансарде мастерскую, и приглашал туда пожить-поработать знакомых художников, некоторым даже помогал оплачивать натурщиков, если им на это не хватало средств - в частности, Ренуару.
Вот к нему и приехал Ван Гог. Что характерно, он был впечатлен эксцентричностью доктора настолько, что даже написал в своем письме брату, о том, что если бы Гаше не был доктором, и не знал бы как лечить нервные расстройства, то, наверное, был бы еще более сумасшедшим, чем Гог. Он поселился в гостинице, они бывали в гостях друг у друга - оба влюбленные в живопись, оба по-своему страдали, оба ярко-рыжие и оба с расхлябанной походкой. Каждому из них были нужны покой и радость, но дать этого друг другу они не могли.
Активная работа (15 портретов (!) - в том числе и портрет доктора Гаше "с лицом цвета кирпича") ухудшила состояние художника. Творчество заставляло его забывать о нищете, одиночестве, непризнанности, но оно же и высасывало из него жизненную энергию. Доктор - сам нервозный и вечно печальный, со своими страданиями на тему, что он никогда не мечтал быть врачом - вместо того, чтобы дарить художнику положительные эмоции, наоборот, усугублял депрессию Гога. Каждый из них мечтал быть на месте другого, оба сетовали на свою судьбу, проводя совместно время таким странным образом.
Гог ненадолго выезжает в Париж и жалуется брату, что в общении с доктором-психом ему становится только хуже, и что сам Гог намного меньший псих, чем Гаше.
Гаше был счастлив, когда Гог вернулся в его городок и тут же кинулся жаловаться ему на судьбу с новой силой. Не знаю, говорил ли Гог Гаше «Изыди, сатана», но поссорились они очень сильно. А спустя несколько дней, на пленэре, посреди пшеничного поля, Гог ранил себя из пистолета. Хозяин гостиницы вызвал к нему лекаря, но Гог попросил позвать и Гаше. Тот промыл рану, убедился, что пулю достать невозможно, и ушел домой, правда, оставив вместо себя у постели раненного своего сына. Гог прожил еще полтора дня и умер на руках у брата.
Многие винят Гаше в кончине Гога, но только не в корысти - ни одной из подаренных ему художником работ, или работ, написанных другими - Ренуаром, Сезанном и прочих, он не продал.
Картину же "Доктор Гаше" продала жена брата Ван Гога лет через пять после его смерти. Позже полотно часто перепродавалось, перед войной ее купили нацисты, они же ее и продали позже, когда Германия нуждалась в иностранной валюте. Сегодня эта картина входит в десятку самых дорогих произведений живописи.

5. «Бал в Ле Мулен де ла Галет». Художник Огюст Пьер Ренуар ($ 78,000,000)

Монмартр тех лет – это сады и огороды – настоящая деревня. Две старинные ветряные мельницы – раньше их было больше тридцати – и обе принадлежат семье Дебре. Рядышком с одной из них семейство Дебре устроило танцзал. Танцзал – это звучит слишком помпезно для сарая с низким потолком и небольшой эстрадой для оркестра. Рядом с танцзалом – небольшая галерея на утрамбованной земле, на которой стоят столики. Официанты подают к сладкому вину фирменное блюдо – галеты. Поэтому и танцзал стал называться «Ле Мулен де ла Галетт». Здесь часто бывает Ренуар, бывший член «Анонимного кооперативного товарищества», пытавшегося внести новое слово в живопись. Но, поскольку организация выставок этого товарищества обходилась «товарищам» дороже, чем доходы от этих выставок, общество самоликвидировалось, а картины с очередной выставки распроданы за бесценок.
Заведение «Ле Мулен де ла Галетт» было небесплатным, но вполне доступным, поэтому здесь часто бывали художники, хотя именно этот танцзал почему-то полюбили и люди семейные. В теплое время года это место было похоже на народное гуляние: польки, кадрили, семьи с детьми, богема, легкое вино и галеты... Позже это место изменится, изменится и его атмосфера. А пока… Ренуар набросал эскиз бала под открытым небом, и мечтал написать целую картину. Но – обычные проблемы – нет денег на натурщиц, нет даже помещения, где хранить картину, если, конечно, ее написать, да и самому жить негде.
Но – вот везение – Ренуар, в отличие от многих его друзей подрабатывал портретами- ему заплатили за очередной портрет. Значит, можно снять «мебелирашку». Ну и что, что под самой крышей, зато так дешево! Место для полотна найдено. Натурщицы? Решим вопрос и с ними. В то время в моде была пьеска, героини которой ходили в широкополых соломенных шляпах. Ренуар за копейки покупает такие шляпы и уговаривает постоянных посетительниц «Ле Мулен де ла Галетт» принять в подарок эти шляпы, а в знак благодарности немного попозировать. Увы, кому-то приходилось и платить. На картине -бал при свете дня, на свежем воздухе, под акациями. Почти каждый персонаж – личность, знакомая Ренуару и постоянным посетителям этих балов. Каждый из них выписан Ренуаром так, что люди, знавшие персонажей картины, как и он сам, то смеялись, замечая какие-то знакомые нюансы в позах этих людей, то удивленно вздыхали: «Как это точно!»
Окончательный вариант этой картины, как и «Качели», написанные тут же и в то же время, приобрел Кайбот, импрессионист по призванию, небедный наследник фабрикантской семьи, кстати, и вдохновитель этого произведения, на котором Ренуар сумел передать эффект лучей солнца, просачивающихся через листву.

6. «Убийство невинных» Художник Питер Пауль Рубенс ($ 76,700,000)

Ну, наконец-то, не 19-й и не 20-й век. Автор картины - шестой ребенок Марии Пейпеленкс. Именно она после смерти мужа вернулась в Антверпен и определила Питера в латинскую школу. Детей много, денег мало. Но Мария не унывает, даже приданное за одной из дочерей она умело договаривается выплачивать частями. Это позволяет ей давать другим детям образование. Быть художником, как захотел Питер, не так уж многообещающе, но стоит такое обучение недорого, поскольку ученик обычно помогает мастеру смешивать краски, вытирать кисти или прорисовывать мелочи на картинах, и делает это бесплатно… то есть за еду и обучение ремеслу. Учитель Питера Пауля не самый даровитый, но любит писать на библейские сюжеты, очень трудолюбив, чему и учит своих учеников, по-своему он мудр, а как может быть иначе – он не так уж молод - ему уже 30 лет. Потом у него будут другие учителя, длительная поездка-обучение в Италии. Все оплачивает его мать, в какой-то момент продающая последние ценные бумаги и даже дом. Вернется Рубенс домой из Италии, узнав о смерти матери, которая и перед смертью сумела позаботиться о материальном благополучии своих детей – не могу отделаться от мысли, что в ней должна была течь еврейская кровь – хотя, ничего по этому поводу не знаю. Так или иначе, талант и трудолюбие художника и мудрость его матери и удачная жениться на дочери секретаря города привели к тому, что в Антверпене он занимает почетное место главного придворного живописца правительницы Фландрии инфанты Изабеллы Австрийской.
Картина «Убийство невинных» (1611), на которой изображен сюжет из Библии - царь Ирод приказывает умертвить всех первенцев в Иудее, пытаясь таким образом убить младенца Иисуса - одна из работ, на которых видна яркая печать фламандской национальности, нисколько не похожая на то, чему учили Рубенса мастера итальянской школы. Тут и внешняя натуралистичность в компоновке сюжета, и внутренняя сила персонажей. С одной стороны все чуть идеализировано, с другой – весьма реалистично. Да, это иллюстрация к Библии. Но, если мы об этом бы не знали, мы бы решили, что это изображение реального жизненного действия. И в этом весь Рубенс. Спасибо маме Марии, которая, будучи и сама женой образованного человека, и мудрой женщиной, дала возможность Питеру получить прекрасное образование и проявить свой талант.

7. «Автопортрет без бороды». Художник Винсент ван Гог ($ 71,500,000)

Автопортреты Гога меряются не штуками, а циклами. Назвать эти работы можно воистину исповедальными – на них художник открывает свою душу.
Если в первом цикле автопортретов – антверпенском – мы видим, что большое значение отдается свету – либо тень, либо интенсивное освещение – используются приемы, чтобы подчеркнуть худобу лица, складки на нем, рыжеватый цвет волос, пристальный взгляд, то в портретах второго цикла (1887-1888) упор сделан на технику написания. В этот период Гог увлекается японской гравюрой, импрессионизмом и пуантизмом (рисует легким касанием кисти – почти точками). В образах на автопортретах все меньше интеллигентности, появляется агрессивность, суровость, но во взгляде, по-прежнему – застывшая тоска. Но это такой же человек, как и другие – он печален, он трагичен, но он один из многих – маленький, скромный человек. У него нет контакта с окружающими, он контактирует сам с собой и ищет успокоения в живописи, сам еще не зная, куда это его приведет.
«Автопортрет с перевязанным ухом и трубкой» был написан после истории с ухом. Внешние последствия действия видны (бинт, кусок ваты), но взгляд художника смягчился, образ стал более спокойным. И уверенности в будущем мы тоже не видим.
И вот он – портрет того же цикла, написанный в 1889 году в Сен-Реми Глядя на него мы видим, что надежды на выздоровление не предвидится , нет уверенности в себе и в будущем. Даже фон у картины какой- то … никакой, и все же не статичный, а словно шевелящийся, неровный. Зелено-голубая одежда. Такими же тонами написано лицо, даже зрачки глаз сливаются по тональности с кожей лица. Губы блеклые, бескровные – это подчеркивают рыжеватые пятна волос, бороды и усов. Все зыбко на этой картине – и его сознание, и мир, окружающий его.
Он хочет жить и не знает, как вырваться из неурядиц, ему хочется жить на заработанное самим собой, а не на деньги брата и подарки друзей и сочувствующих. Он не может не писать, и в тоже время понимает, что эта страсть съедает его самого, и он не знает выхода из этой ситуации, просвета не видно. Портрет небольшой – 40 см на 31 см. Но, глядя на него, мы уже видим перспективу – Гаше, пшеничное поле, другое измерение.

8. «Натюрморт с драпировкой, кувшином и вазой для фруктов». Художник Поль Сезанн ($ 60,500,000)

В отличие от Ван Гога Поль Сезанн не проходил испытания бедностью. Хотя его отец и не был доволен тем что тот оставил обучение в университете, но все же назначил ему значительную ренту, позволявшую Полю вести безбедное существование, но жизнь его беззаботной не назовешь. Это был одиной, временами нелюдимый, очень страстный человек.
Приехав в Париж он сошелся с Писсаро, Ренуаром, Моне и другими художниками нового формата, но работы, которые он выставлял совместно с его товарищами, успехом у публики не пользовались, и Поль решил пойти своим путем, на котором и добился успеха. Именно ему принадлежат слова о законах построения пейзажа «посредством цилиндра, шара и конуса». Основное отличие Сезанна от работ импрессионистов, которые старались уловить изменчивые черты природы, Сезанн создает «картины для музеев», передавая незыблемую часть облика натуры. При этом он сумел в одной картине соединять несколько точек зрения на предметы – совмещать приемы прямой и обратной перспективы. Никакого черного цвета, никакой жанровой живописи, никаких мелочей.
Его яблоко не укусишь – слишком уж оно величественно. Складки салфеток – и те напоминают отделку античных колонн. Свои натюрморты он писал по нескольку месяцев, строя форму, его работы - плод неимоверных усилий. Если он писал ландшафт, то перед тем как положить мазок долго стоял, сосредоточенный, с кистью в руке, пристально всматриваясь в природу, оценивая и рассчитывая. Между двумя мазками вполне могло пройти и пятнадцать минут. «Мои глаза до такой степени прикованы к точке, на которую я смотрю, – говорил художник, – что мне кажется, будто из них вот-вот брызнет кровь»...
Публика искусство Сезанна не любила и не признавала. А профессионалы понимали, какой колоссальный труд стоит за его работами, и каких высот художник достиг, и в последние годы жизни художника уже иногда радовали Сезанна тем, что платили за его работы не большие, а очень большие деньги.
Его работа с формой, его способность выявлять эту форму облегчили будущему поколению кубистов воплотить в жизнь новую идею: разделить предмет на части, анализируя его строение.

9. «Женщина со скрещенными руками». Художник – Пабло Пикассо ($55,000,000)

Если кто-то до того, как начал читать этот пост, еще не мог определить, к какому периоду творчества художника относится этот портрет – справится теперь без труда. Да, это «голубой период». И да, начало этого периода связано с событием в личной жизни Пабло: его друг Карлос, сходивший с ума по женщине, сначала болел, позже пытался убить эту женщину, и, наконец, застрелился сам.
Но почему именно голубой? Дело в том, что Пикассо приобрел привычку работать с вечерней зорьки до утренней – то есть всю ночь. Это знает любой художник, и это знаем и мы с вами: если писать картину при искусственном освещении, то при дневном свете она приобретает голубой колорит. Это связано с тем, что искусственное освещение имеет теплый, оранжеватый оттенок, и художник автоматически увеличивает интенсивность синих тонов, проявляется это только при просматривании работы при дневном свете.
Но в Барселоне, где начался это период творчества Пикассо, по воспоминаниям многих, сумеречное освещение имеет особое, яркое голубое, лунное звучание, поэтому работы художника окрасились в особый голубой тон. А талантливость Пикассо дала ему почувствовать, как этот колорит соответствует его душевному состоянию и усилить это ощущение. На мой взгляд, и я не одинока, этот период – наибольшее достижение в творчестве художника, именно эта работа – одна из лучших его работ.

10. «Ирисы». Художник – Винсент Ван Гог. ($ 53,900,000)

Чем старше становился Гог, тем больше в нем проявлялось желание создавать великолепный, безупречный, блистательный цвет. Весна 1889 года, художник выписан из больницы после истории с отрезанием уха, но по-прежнему в депрессии. И вот он добровольно решает лечь в лечебницу в городе Сен-Реми-де-Прованс. Город, кстати, известен тем, что в нем родился Мишель де Нотр Дамм (по прозвищу Нострадамус).
Весна, май, так хочется быть спокойным, так хочется быть счастливым, и Гогу кажется, что он принял правильное решение. Сначала – лечение, потом непременно все будет хорошо. Первое полотно, которое он пишет в Сен-Реми – это «Ирисы». Спелая, сочная природа, ирисы глубокого синего цвета, напоминающие ланцеты, заостренные по форме зеленые листья. Почва красного цвета – как бы склоняет к себе ирисы, но и светло-зеленый луг на заднем плане притягивает их к себе. И одинокий белый ирис в левой части картины, растущий сам по себе.
Уже не за горами встреча с доктором Гаше и роковой выстрел в пшеничном поле. Но сейчас – весна, ирисы, и теплящаяся надежда на счастливое будущее.

Мы не можем знать, какая картина сегодня реально стоит дороже других - хотя бы потому, что не все картины, находящиеся в частных или государственных коллекциях продаются каждый день. У каждого у нас свои пристрастия и приоритеты. Но, в любом случае, этот перечень - еще один способ напомнить нам об этих художниках, вспомнить моменты их биографий, неразрывно связанных с творчеством этих талантливых людей.

Комментарии  

 

+1 Ильдар #1 02.06.2011 07:06

Спасибо!!!!

 

 

0 Игги Кей #2 23.06.2011 10:34

Огромное cпасибо за статью!

 

 

0 аllex #3 18.01.2014 17:56

Подробно занимательно, познавательно ну и конечно интересно.

 

Обновить список комментариев

У Вас недостаточно прав для добавления комментариев.
Возможно, Вам необходимо зарегистрироваться на сайте.